Un tigre y un conejo con trajes mecánicos y que encima son héroes!

Posted in Anime, Cómic, Opinión with tags , , on diciembre 4, 2011 by spookyhouse

Me sorprendí mucho cuando encontré que tanta gente alrededor de blogs y páginas había tenido la misma impresión que yo: “No apostaba por esta serie, pero resultó ser muy buena!”

Sep, estoy hablando de una serie que empieza por llamarse “Tiger and Bunny” (y aquí es donde uno piensa que seguramente va a ver algo rosado o shoujo porque con ese nombre qué se espera…) pero gracias a un amigo tremendo fan del tokusatsu y que además me dio una pequeña reseña de la serie, terminé viéndola sin muchas expectativas… Y Oh! Sorpresa! O___O   Hace raaaaaaato no veía una serie tan enganchadora!

La historia a grandes rasgos se centra en los NEXT, personas con poderes que han empezado a aparecer en el mundo hace algunos años. En algunas ciudades se pasan por desapercibos, pero en la ciudad de Sternbild los NEXT trabajan no solo como héroes sino también para grandes corporaciones haciéndoles publicidad.

Para rematar, hay un reality show llamado Hero TV que sigue a los Héroes cuando se van a su trabajo de capturar criminales o salvar gente en peligro, y les dan puntos por cada cosa que hacen. El Héroe con mayor cantidad de puntos es proclamado ganador de la temporada.

Así se matan tres pájaros de un tiro: se hace rating, se hace publicidad y se hace justicia! (En ese orden)

Pero tal afán mediático hace que los héroes se centren más en el “show” de mostrar la empresa para la que trabajan y/o conseguir puntos para ganar en la temporada, y el que uno creería que es el oficio del héroe, de salvar gente y ayudar al necesitado queda en un muy tercer o cuarto plano.

Él único que parece aún pensar en la humanidad es Kotetsu, el NEXT con más años del grupo de participantes, cuya identidad de Héroe es Wild Tiger y se ha ganado su fama de “Triturador de la Justicia” a punta de destruir cuanta edificación y propiedad que se ponga en medio con tal de salvar a la gente en peligro.

Tal cantidad de estragos terminan quebrando a la empresa patrocinadora de Kotetsu que se ve abruptamente adquirida por un monstruo de los medios, haciendo que ahora tenga nuevo jefe (y nuevo traje) que en honor a sus años no lo envía a las filas del desempleo sino que le propone una revolucionaria idea en el mundo de los Héroes: trabajar con un compañero! (Léase en realidad ser el Robin torpe del otro…)

El “compañero” en cuestión resulta ser el más reciente egresado de la Academia y recién nombrado Héroe por el Departamento de Justicia: Barnaby Brooks Jr. quien es el primero en usar su nombre real y no ocultar su identidad ante el público.

Barnaby resulta tener el mismo poder de Kotetsu: aumentar sus capacidades físicas 100 veces durante 5 minutos, pero con casi 14 años menos (y no pierde ocasión para refregárselo en la cara). El novato tan simpático y agradable en televisión como calculador, frío, estricto y estoico en su modalidad de Héroe hará que su trabajo de equipo con el impulsivo y descomplicado Kotetsu sea realmente desastroso y de paso nos de unas buenas carcajadas.
😀

……..

Yo opino!

En medio de esta avalancha de series con exceso de fan service y exceso de moe, es realmente refrescante ver un título con tan fabulosa mezcla de comedia y acción de la buena!

Después de haber visto los 25 episodios de la serie, tengo muuuuchas cosas que elogiar:

* Increíble Animación: A cargo de Sunrise, la serie tiene un excelente empalme de animación 3D con 2D y no solo eso, la animación de los personajes en 3D es absolutamente perfecta, que a diferencia de otras series que usan el CGI para fondos y carros, aquí se ve en los personajes activos de la serie y que logra un total credibilidad cuando llevan sus trajes de Héroes.

* Historia y Dirección: Para quienes tuvieron el gusto de haber visto Karas, se les hará muy parecido con la acción que hay en Tiger and Bunny. Eso es debido a que tiene el mismo director, Keiichi Sato. Masafumi Nishida ha hecho trabajo para películas y novelas y por su estilo dramático, es  co-creador de la serie y responsable del guión. Es de hecho, el primer anime que escribe. Sato también se ha traído a Yoshihiro Ike como compositor de la banda sonora con quien ya había trabajando en Karas y nos deja una fabulosa OST.

* Una nueva visión de los súper héroes: En palabras de Nishida : “La serie es una muestra del género de súper héroes, y hay tantas grandes producciones de ese género que todos tienen ya cierta imagen de los héroes en su mente. Quisimos usar eso como base e invertirlo. Por ejemplo, los héroes siempre parecen presentarse en el mejor momento posible cuando algo malo sucede – pero qué pasaría si en realidad ellos se están escondiendo cerca a la escena, esperando el momento preciso para sobresalir? Eso es lo que queríamos crear con nuestra historia.”

* Diseño de personajes: Una de las grandes sorpresas que tuve fue encontrar que el diseño de personajes fue hecho por Masakazu Katsura, quien hace años abandonó los novelones juveniles dirigidos a jóvenes en crecimiento con protagonistas femeninas exuberantes (que sin duda se convirtieron en su firma en series como DNA y Video Girl Ai) y que ahora nos tiene agarrados con un manga adulto (en el buen y el mal sentido de la palabra) como lo es Zetman.

Además, no es secreto que es ñoño de Batman al punto que hay en sus obras siempre alguna alusión al caballero de la noche. Un One Shot de Tiger and Bunny de la mano del mismo Katsura fue publicado y si se quieren hacer idea de la serie antes de verla, lo pueden ver aquí:  Link

Steven Spielgberg! 😮

* Referencias americanas: Un montón. Esta no es una serie japonesa en absoluto. Me sorprendió ver tanto inglés visible durante la serie y cabe decir que inglés bien escrito, porque seamos francos, a la hora de usar el inglés los japoneses son iguales a Carolina Cruz. Los intermitentes avisos de Hero TV durante la transmisión, el diario que lleva Kotetsu e incluso los nombres de los episodios están escritos y leidos en un perfecto inglés (al menos por Barnaby, porque Kotetsu nunca da pie con bola).

Macaulay Culkin cuando era inocente aún...

El diseño de la ciudad de Sternbild, que por cierto es muy parecida a la Gray City de Shadow Lady de Katsura, la música, la vestimenta, la atmosfera es totalmente americana. Y tratándose de una serie de súper héroes Sato y Nishida hicieron de las suyas con cuanta referencia gringa han podido echar mano.

Robert Downey Jr!

Para quienes leemos cómic, es imposible no relacionar ciertos aspectos de la serie con obras archiconocidas como X-Men, Batman e incluso Watchmen.
Pero la dupla de director/escritor ha logrado que Tiger and Bunny no se convierta en una parodia del género de súper héroes sino que entre con ganas dentro del género.

A Batman tambien le salvan el trasero!

También se me hace notable el hecho que a excepción de Kotetsu y su familia, no hay referencias a Japón. Los demás personajes cubren desde China hasta Rusia, pasando por Latinoamérica, Francia y obviamente Estados Unidos. Encontrarse con que los personajes se llaman Karina, Nathan, Antonio, Ivan, Pao Lin, Yuri, Agnes, Maverick o Jake Martínez dice algo.

Muérete de la envidia Iron Man! Mi Panel de Control es más cool!

Marcas! Marcas! Y más marcas!

* Las marcas patrocinadoras y los medios de comunicación: La premisa de “Héroes que tienen publicidad de empresas” fue lo que hizo que viera la serie, porque en realidad se me hizo llamativo. En un país tan comercial y mediático como Japón resultó realmente innovador hacer publicidad dentro de los mismos personajes. No es que fulano se tome una Pepsi por allá en una esquina, es que el personaje representa a la empresa Pepsi.

Vendiendo pauta publicitaria con los personajes fue como consiguieron el dinero para poder hacer la serie. Funcionó? Claro que sí. En el segundo arco de la serie cada héroe tenía la menos un patrocinador más y en cola de espera se quedaron una que otra empresa.

Uno podría pensar en que la serie entera es una sola propaganda y bueno, puede que lo sea, pero la aparición de marcas como Bandai, Amazon Japón, Figuarts, Tamashi Nation y otras grandes empresas reales en los trajes de los Héroes hace parte de la historia. Durante la serie los mismos Héroes empiezan a cuestionar si su oficio realmente es ser la cara de una empresa o utilizar sus poderes para ayudar a la gente arriesgando sus vidas. De hecho, varias veces se ven entre la espada y la pared por  obedecer a sus patrocinadores.

El reality Show y los medios de comunicación se convierten en un arma de doble filo para ellos, y para la segunda mitad de la serie ya uno se empieza a preguntar qué podría suceder con ellos si se llegan a poner en contra de los medios y las empresas? Llegan a ser más poderosos los medios que los mismos Héroes?

* Personajes Viejos: Tiger and Bunny no es una serie juvenil. De los protagonistas, uno tiene 24 años y el otro es casi cuarentón. Los personajes tienen problemas mucho más terrenales e importantes que vencer al malo de turno.

Kotetsu no quiere ser el mejor ninja de Konoha, de hecho no le importa en absoluto ser el mejor. Él solo quiere salvar gente y que su hija lo aprecie ni siquiera como Héroe sino como padre (su hija no sabe que él es un NEXT). Encima, se está empezando a dar cuenta que sus años le están  pesando y que en cualquier momento le puede estar costando el pellejo.

Barnaby, no quiere ser el mejor maestro pokemón. Su objetivo es hacer bien su trabajo, aparecer en el momento justo ante las cámaras y atrapar al criminal. Pero como uno verá durante la serie, tiene sus motivos de peso para haberse convertido en Héroe y su tiempo libre lo dedica a investigar un terrible suceso de su vida.

Los demás personajes tienen capítulos especiales donde uno ve cómo son y que muestran que problemas tan cotidianos para nosotros, también los afectan a ellos.

* Voces : No me puedo ir sin hablar de las voces fabulosas en la serie! Masakazu Morita es el encargado de interpretar a Barnaby que es un papel bastante calmado para lo que uno está acostumbrado a escuchar de él, teniendo en cuenta que también la voz de Ichigo (Bleach) y de Seiya (al menos, la nueva voz en los ovas).

La voz de Kotetsu es la de Hiroaki Hirata, a quienes los fans de One Piece lo escuchan a diario pues es nada menos que la voz de Sanji.

Y para no hacer esto más largo y con grandes riesgos de acabar haciendo spoiler de la serie, terminaré diciendo que no se dejen engañar o espantar por las cantidades abrumadoras de yaoi/shonen ai sobre la serie hechos por fans. Si mal que bien, son una muestra de lo popular que se ha vuelto el programa, no teman verla aún si ya se han estrellado con alguna de esas imágenes comprometedoras de Kotetsu y Barnaby o bien porque el título de la serie los despiste por completo: la serie no tiene nada de shonen ai o yaoi.

Los dejo con el trailer de Viz Media para Estados Unidos:

Pilar Nova
Haciendo grandes esfuerzos para escribir este review objetivamente sin que se salga lo fangirl (=__=”)

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Una extraña mezcla pero me gusta! X-Japan & Stan Lee!

Posted in Cómic, Noticias varias on mayo 29, 2011 by spookyhouse

Sip, suena raro pero es cierto: Stan Lee y Yoshiki, miembro de la legendaria X-Japan, han unido fuerzas para un cómic que se lanzará en Julio.

El proyecto en cuestion es un Motion Comic que presenta a un músico super héroe gótico e incorporará la fascinación del japonés por los dragones y obviamente, la música. El héroe será una suerte de vigilante cuyos poderes salen a flote con ciertas notas musicales, música que por cierto corre a cargo del mismisimo Yoshiki.

Stan Lee dice de Yoshiki:
“Cuando conocí a Yoshiki, quedé muy impresionado con su talento musical y su increíble creatividad y supe de inmediato que tenía que trabajar con él en algo especial donde pudieramos combinar nuestras fuerzas. Crear un super héroe musical era la evolución natural de nuestros esfuerzos.”

Yoshiki dice de Stan Lee:
“Así como el resto del mundo, he admirado a Stan Lee y sus creaciones toda mi vida. Conocerlo fue fabuloso y ahora trabajar con él es uno de las experiencias más divertidas y creativas que jamás he tenido. Ver su mente trabajando es increíble e inspirador.”

El número 0 del cómic se presentará en la Comic-Con de San Diego en este Julio y como las colaboraciones no acaban ahí, Stan Lee aparecerá en el video “Born To Be Free” de X-Japan.

Y Gainax lo ha hecho de nuevo…

Posted in Anime, Opinión with tags , on julio 21, 2010 by spookyhouse

Botellas ñoñas 😀

Para nadie es un secreto que Evangelion ha sido el producto estrella del estudio Gainax.  En opinión de muchos (incluyendo la mía) cada vez que Gainax está quebrado o le falta dinero, saca alguna chuchería de Evangelion, cosa que ha generado que uno encuentre merchandising absurdo de la serie, desde los audifonos hasta los condones con algún logo de Evangelion o de Nerv.

Doritos ñoños 🙂

También le he dicho a mucha gente que Evangelion ha sido mal hecha a proposito para tenerlo a uno agarrado de los cabellos tratando de hallarle algún sentido a la serie de tv y que después de 12 tomos del manga que empezó en 1994, The End of Evangelion,  Death and Rebirth los innumerables mangas y juegos alternos que han sacado en estos años y obviamente, la serie de tv en sus incontables versiones, NO LE DAN FINAL A LA SERIE!!!

Así, cualquier cosa que salía de Evangelion era un campanazo para quienes vimos la serie, para salir corriendo a ver lo nuevo que había salido, a ver si al fin esta cosa tenía un final decente, pero no.

Por tal razón, cuando anunciaron hace un par de años, un remake de la serie en formato película, llamado Evangelion 1.0, no le hice mayor caso, y me dije que era otro intento de Gainax por exprimirle nervios (y dinero) a los fans de la serie. Pero hay que darle una oportunidad a las películas, así que me senté a ver de corrido Evangelion 1.01 y 2.22.

La 1.0 salió en cines en septiembre de 2007, y recuenta casi que literalmente los 6 primeros episodios de la serie de TV . Las mismas escenas, los mismos dialogos con la misma música en los mismos momentos cruciales, lo que me confirmaba mi idea de que esta 1.01 era un intento de dinero fácil y rápido.  Destacable la animación fabulosa que tuvo y los gráficos 3d que se acomodaban en momentos precisos de la película, pero por lo demás, igual a la serie de TV.

A la izquierda imagen de la serie de TV; a la derecha imagen de la película

Otra prueba de que es dinero fácil? La película se estrenó bajo el nombre de Evangelion 1.0. Algunas adiciones y correcciones para la versión en dvd dieron pie a la 1.01 (que fue la que me ví) y otro par de correcciones para la versión de Blu-ray y 3 minutos más de película son las que se conocen como Evangelion 1.11, que fue el Blu-ray más vendido hasta el momento en Japón, con 49.000 copias en Agosto de 2009.

Sin embargo, con todo lo que pensaba yo de la 1.01, le valió el premio a Mejor Anime del Año y Mejor Director a Hideaki Anno en el Tokyo Anime Festival (TAF) de 2008, más un bulto de premios alrededor del mundo.

Como que se quedaron sin diseñador a última hora. La única diferencia entre los afiches del 1.0 y el 2.0 son Mari y Asuka 😛

A continuación, la 2.0, que se estrenó en cines en junio de 2009, empieza con la presentación de una nueva piloto, Mari, siendo la piloto para el Eva 05.

Esta nueva piloto es la primera de una serie de cambios con respecto a la historia original de la serie de TV. Y pues si estos Rebuild, son como lo dijo Hideaki Anno, lo que quería que fuera Evangelion en realidad, pues se estaba tardando en hacerlo ( y nos hubiera ahorrado muchas canas en todos estos años) 😀

"Ayanami!! Rápido que dejé el Eva con las llaves puestas!!"

La mejor sorpresa para mí fue Shinji. Pasó de ser el pelmazo de la serie de TV que le decía sí a todo y a todos, para convertirse en un personaje con caracter (léase pelotas), capaz de enfrentarse incluso a su padre y de ser capaz de luchar por lo que realmente quiere.

Tal vez esto último es lo que genera el novelón (me gustan los novelones), con la segunda sorpresa: Rei Ayanami, que pasa a ser la muñeca de la serie de tv a una persona que se cuestiona su puesto en el mundo y que al final de la película, también termina entendiendo qué y a quien quiere en su vida.

"Me ponen un traje transparente no más porque solo salgo 15 minutos en la película" 😦

El lado sicologico y los traumas de los personajes que hizo tan famosa la serie de tv, se ve bastante mermado en las películas, pero a la hora de la verdad, a mí no me hizo falta. Los personajes están bastante definidos como para enredarlos en sus cabezas con sus problemas.

La música para la segunda película también es un punto a favor, logrando nuevas versiones de los temas de la serie de tv más otros temas originales para la 2.22 que lograron insertarse en mi listado de bandas sonoras favoritas 🙂

El argumento es más sólido y por lo visto y según el deseo del director, no van a quedar los vacios y las cientos de preguntas que generó la serie de TV, y aunque la diferencia entre las dos peliculas es de dos años, la animación de la 2.22 está fuera de concurso. La animación para los Evas, hechos por completo en 3D, es increíble y los Ángeles sufrieron también un buen lavado de cara, con un rediseño digno de algún tipo de hierba y presentandonos unos combates emocionantes y llenos de acción 😀

No sé qué le pasó a Sadamoto. El suit de Mari es horrible: parece hecho de colchones :S

Con lo mal que me cae Asuka, lamento su poca participación en esta segunda película, y aún no me encaja el personaje de Mari, la nueva piloto, pero aún es muy temprano, pues el Rebuild de Evangelion van a ser 4 películas en las que falta ver qué pasa con Kaworu, que ya sale en esta segunda película y que pasa con el Plan de Instrumentación, el cual tiene mejor pinta en estas películas y mirar también que pasa con Kaji y Misato… y… y… ARGHH!!! NO HAY FINAL AÚN!!!!

Pilar Nova
(Reconciliada fan de Evangelion)
🙂

Dragon Ball Kai, remasterización de Gokú a HD

Posted in Anime with tags , on agosto 3, 2009 by spookyhouse

A razón de los 20 años de Dragon Ball y bajo el subtitulo de “Versión Revisada de Akira Toriyama”, se estrenó el pasado 5 de abril en la tv japonésa Dragon Ball Kai (改), sustituyendo la “Z” por el kanji (改) que se traduce como “Revisado” o “Renovado”. Los cambios no implicarán nuevas animaciones ni cambios en el dibujo de la serie, pero sí ciertos arreglos que la hacen visible a la tecnología actual en tv y que nos hacen olvidar que Gokú y compañía llevan peleando 2 décadas 🙂

Dragon Ball Kai

Dragon Ball Kai

Cambios entre la versión que vimos en tv y la nueva HD

Cambios entre la versión que vimos en tv y la nueva HD

Este tremendo trabajo de remasterización consistió entre otras cosas:
– Pasar del formato 4:3 (pantalla completa) a formato 16:9 (widescreen o pantalla de cine) y renovación de las líneas y el color
– Remasterización del sonido de stéreo a 5.1, mejoras y nuevos efectos de sonido y hasta se volvieron a reunir a los actores de voz para volver a doblar la serie
– De los 291 episodios originales de Dragon Ball Z se pasarán a 100 episodios, lo que quiere decir que se eliminarán los rellenos y pasará a ser una versión más fiel a la historia que dibujo Toriyama en el manga.
– No falta la censura y alguna escenas corrieron con borrador de sangre ¬_¬
– Nuevo opening y ending

En fin, pueden ver algo del trabajo de remasterización cuadro a cuadro en el siguiente video tomado directamente en los estudios de animación 😀

Trailers de los animes de Wolverine y Iron Man

Posted in Anime with tags , on julio 27, 2009 by spookyhouse

Iron Man y Wolverine al anime!

Iron Man y Wolverine al anime!

Estos son los dos primeros lanzamientos de una serie de 4 que hace Marvel junto con Mad House en la aventurada misión de llevar al anime a los súper héroes más famosos de la casa editorial gringa.

Aunque no han confirmado quiénes serán los otros 2 héroes que tendrán su versión anime, ya podemos ver los trailers de lo que serán las series animadas de Wolverine y Iron Man, elegidos tras el éxito de sus pasadas películas.

Ambas series tendrán 12 episodios y se estrenarán en el 2010. Sin más preambulos, los trailers:

Confirmada segunda serie de TV de Inuyasha.

Posted in Anime with tags , on julio 22, 2009 by spookyhouse

Al convertirse en el manga más largo de Rumiko Takahashi el año pasado, Inuyasha verá su segunda adapatación en tv, que abarcará los tomos 36 al 56 del manga, y que al fin le dará a sus seguidores el esperado final de la historia, tras un relleno latoso y un “final a la carrera” de la primera serie de TV.

La serie llevará por título Inuyasha Kanketsu-hen (Inuyasha Capítulo Final) y se espera que se estrene en otoño de este año.

Tenku no Shiro Laputa – Laputa, el Castillo en el Cielo

Posted in Ghibli with tags on marzo 22, 2009 by spookyhouse

Laputa, el Castillo en el Cielo
(“Tenkuu no Shiru Laputa”)

Estreno en Japón: Agosto 2 de 1986
Dirigida por Hayao Miyazaki

La historia

Nos encontramos en un mundo que podría ser la Tierra a finales del S. XIX o principios del S. XX, en donde la tecnología generada por la revolución industrial empieza a desarrollarse.

Una noche cualquiera, unos piratas aéreos comandados por la veterana capitana Dola atacan una aeronave en la que se movilizan el misterioso Muska y una niña llamada Sheeta, quien por accidente cae inconsciente hacia la tierra. Antes de estrellarse contra el suelo, el collar de Sheeta empieza a brillar y le permite aterrizar suavemente en los brazos de un niño llamado Pazu, quien le da posada mientras se recupera.

Al día siguiente los piratas intentan capturar a Sheeta, y empieza una persecución a la que se unirán las fuerzas de Muska. Finalmente, Sheeta y Pazu son capturados y encerrados bajo el cuidado de Muska en una fortaleza militar. Allí, Muska revela su secreto: él está en busca de la legendaria isla flotante de Laputa. Muska descubre que Sheeta está muy relacionada con esa isla flotante, e intenta forzarla para que le diga los secretos de la isla; de ese modo aspira a convertirse en la persona que controle la poderosa tecnología mágica de la isla.

Muska libera a Pazu, quien de regreso a su hogar se encuentra con los piratas aéreos. Pazu se une a ellos y juntos buscan la manera de liberar a Sheeta para evitar que el poder de Laputa caiga en manos equivocadas. Así se empieza a solucionar la historia que en su clímax está llena de drama, magia, y situaciones que le permiten a los personajes aprender sobre sí mismos y sobre las acciones que realizan.

Personajes

Sheeta
Su nombre completo es Lusheeta Toelle Ul Laputa, ella es el personaje central de la película, y posee la clave de la isla flotante. Usa un collar que es una piedra de levitación. Sheeta es una niña callada, gentil y tierna; sin embargo, crece interiormente y se hace fuerte al enfrentar los eventos que la rodean.

Pazu
Al igual que Sheeta, Pazu es huérfano. Pazu quiere continuar el sueño de su padre: redescubrir la isla flotante de Laputa, y para esto se esfuerza construyendo un avión que le permita volar hasta ella. Al conocer a Sheeta decide ayudarla y protegerla, lo cual hace que nazca una profunda amistad entre ambos. Pazu sigue fielmente las ordenes de su jefe, pero hacia el final de la película vemos cómo aprende a tomar decisiones por sí mismo, lo cual le permite crecer.

Muska
Su nombre completo es Romuska Paru Ul Laputa. Al igual que Sheeta, Muska es un descendiente de los Laputianos, y ha pasado su vida buscando la isla flotante, para lo cual se ha aliado con los militares y el gobierno. Es un hombre egoísta, cruel, e insensible que sólo busca su satisfacción personal. No le importa pasar por encima de los demás, ni el precio que haya que pagar por lograr su objetivo.

Dola
Es la capitana de los piratas. Una mujer mayor, pero muy vital y de fuerte carácter determinada a seguir su objetivo. A pesar de su aparente rudeza, Dola es una mujer sensible y comprensiva. En un principio se alía con el gobierno para capturar a Sheeta, pero al descubrir las verdaderas intenciones de la gente que busca la piedra de levitación decide protegerla a ella y a Pazu.

El Abuelo
Es el jefe de ingenieros de la nave comandada por Dola. Es un hombre mayor que sabe entender las ordenes de su capitana ya que la conoce bien por los años que han pasado juntos (desde la muerte del esposo de Dola). Es un trabajador incansable y le gusta jugar ajedrez.

Apreciación

En Castillo en el Cielo asistimos a una presentación de poco más de dos horas en la que Miyazaki evidencia su gusto por crear obras que se acerquen a la gente para que de esta manera el mensaje sea captado con mayor facilidad, pero sin renunciar a la parte fantástica y lúdica que proporcionan los eventos mágicos y sorprendentes. De este modo, vemos cómo esta historia (original de Hayao Miyazaki) nos transporta a un escenario en donde, según sus propias palabras, “se involucran descubrimientos y encuentros maravillosos… en una historia que trae un mensaje de esperanza”.

Castillo en el Cielo es una reflexión sobre el paso de la niñez a la adultez, sobre el despertar a nuestro papel en la sociedad. Los jóvenes personajes que se ven envueltos en situaciones que pueden definir su vida futura deben tomar decisiones trascendentales para ellos mismos y las personas que los rodean. Enfrentarse a tal responsabilidad no suele ser fácil, y la compañía de personas sabias (representadas en Dola y en el Abuelo) que ya han pasado por eso hacen que la transición sea abordada en los mejores términos posibles.

La película también nos muestra el valor de luchar por los propios ideales, y cómo la pureza de nuestros sentimientos le da fuerza a nuestra búsqueda. Tanto la búsqueda de Pazu (redescubrir la isla flotante) como la de Sheeta (encontrar su lugar en el mundo) se complementan dados los corazones de los dos niños; también se oponen al deseo egoísta y maligno de Muska, cuya desmedida ambición trae como resultado la pérdida justamente de aquello que tanto desea.

La piedra de levitación en Laputa no es sólo un objeto mágico cualquiera, sino que es un objeto receptivo a la energía de su usuario. Entre más puro y sincero sea el deseo de su portador, mayores serán los beneficios de usarlo. Del mismo modo, el mal uso que se haga de la piedra puede ocasionar la destrucción. Esta es una hermosa metáfora que nos permite comprender cómo las herramientas que usamos para nuestros propósitos (ya sean objetos físicos o ideologías) pueden tomar la fuerza de nuestras intenciones para llevarlas a cabo. También nos lleva a entender que las herramientas no son el fin en sí mismo, sino un medio apenas por el cual podemos aproximarnos a nuestro destino, una vez allí ya depende de nosotros y nuestra fuerza interior el lograr nuestro objetivo.

El otro mensaje de Laputa se desprende de la tradición oriental de “entender lo que no está en el cuadro”. La película nos muestra “lo que hay”, pero al pensar en lo que está ausente podemos comprender el valor de lo que falta. Hay unas hermosas escenas de la deshabitada Laputa en donde solo hay robots oxidados y naturaleza salvaje, pero no hay personas: los laputianos que alguna vez habitaron la isla flotante ya no están y el silencio que ahora lo llena todo en el sitio es evidencia de la fragilidad de las personas y lo efímero de su existencia. Si bien hay testimonios físicos de los laputianos, los gentiles robots son incapaces de continuar el legado de las personas que los construyeron y de llenar su vacío. Una gran fortaleza como lo es Laputa no puede funcionar adecuadamente sin las personas que la construyeron, del mismo modo que el planeta Tierra necesita de nuestra existencia para ser mejor. Y sin embargo, los laputianos acabaron víctimas de la tecnología que ellos mismos habían creado y resignaron su destino a las prótesis mecánicas para que se encargaran de la isla. La advertencia que nos dirige Miyazaki es clara: confiar nuestro destino a un mundo tecnocrático sin preocuparnos por cultivarlo con nuestro corazón y nuestra fantasía resultará en un mundo vacío que no podremos disfrutar y que inevitablemente se perderá en el vacío de los sueños sin cumplir.

La esperanza radica en que las personas jóvenes comprendan que la fortaleza de su espíritu y la validez de sus sueños es la clave para enriquecer el mundo que ya se nos ha dado en custodia y para evitar el abismo hacia el cual las malas decisiones del pasado nos puedan empujar.

Trivia sobre Laputa

Laputa es el nombre de una isla flotante en “Los Viajes de Gulliver”.

Aunque se sabe que Jhonatan Swift bautizó a la isla voladora con una palabra fuerte tomada del español, aún es tema de debate si Miyazaki era conciente de esto. Para evitar connotaciones equivocadas, es usual pronunciar el nombre de la Isla Flotante como “lá-piu-ta”, “la-piú-ta”, “lá-pu-ta”, o “ra-piu-ta” (esta tercera opción considerando que el idioma Japonés no distingue entre la “L” y la “R”). Recientes distribuciones internacionales de esta película han solucionado el problema acortando el título y dejándolo simplemente como “El Castillo en el Cielo”.

En 1999 Disney le pidió a Joe Hisaishi que compusiera de nuevo la banda sonora de la película para extenderla, considerando que el publico norteamericano estaría más a gusto si hubiera más musicalización incidental, como es costumbre en las películas occidentales (tanto animadas como de acción real). Originalmente la música en Laputa ocupaba cerca de una hora, y había largos tramos de la historia (hasta 7 minutos) sin música. Joe Hisaishi acometió la tarea de re-componer la música 13 años después de haber hecho el trabajo original, y lo hizo de tal manera que hasta el mismo Miyazaki quedó satisfecho con el resultado, ya que le dio más fuerza dramática a ciertas escenas antes silenciosas.

Dola es uno de los personajes de personalidad más fuerte que hayan aparecido en las obras de Ghibli. Según el hermano de Hayao, Dola refleja de manera bastante fiel el carácter de la madre de los Miyazaki.

En casa del jefe de Pazu se puede ver (durante un par de segundos) un afiche que recuerda los afiches socialistas de mediados del siglo XX.

En los jardines de Laputa se pueden ver ardillas-zorro corriendo libremente. Una ardilla-zorro ya había aparecido anteriormente en la primera película de Ghibli como la mascota de la Princesa Nausicaa. Como se verá en películas posteriores, Ghibli tiende a poner con frecuencia referencias visuales y homenajes a otras obras del estudio.


Fin del archivo

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Bogotá D.C. 2006 – 2009
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